A DOMANDA RISPONDE

Rispondo qui ad alcuni dei post giunti dopo la pubblicazione dell’ “Erba Foglio”. Andiamo nell’ordine:

1) Ringrazio Rita M. per la sua fedeltà al Blog.

2) Grazie a PuroNanoVergine per il suo (abituale) contributo. D’ora in avanti, in casi del genere, userò sempre la “richiesta di risposta obbligata”, che in questo caso mi è parso scortese utilizzare. 

3) Non avevo dubbi su un intervento di Rosellina Mariani. E’ vero, ho 82 anni, ma ancora per poco perché il 17 di ottobre saranno 83 (faccio presente che è da Roma in giù che il 17 porta sfortuna, nell’Italia del nord, come ad esempio in Francia e negli Stati Uniti questa utile funzione è svolta dal numero 13).

4) 5) Grazie ad Ivana per il duplice intervento, ma, adesso come adesso non ho voglia di sondare nessuno.

5) Bis ) Grazie al Principe Myskin e ai suoi Ultramondi Empirei in Seduta Perenne e Assistenti al Soglio. Ho molto apprezzato le maiuscole.

6) Devo una risposta a Giulio Fedeli, ma il suo intervento è così ampio che ho bisogno di qualche minuto per rispondere. Provvederò nei prossimi giorni.

Molti saluti a tutti.

CONTRADDITTORIE REAZIONI DI FRONTE ALL’”ERBA FOGLIO”

Semi dolorosa confessione autobiografica in presenza di un tentativo di collaborazione fallito prima di iniziare. Sarei grato di conoscere le impressioni dei lettori ma, vi prego, siate severi ma non crudeli!

Fra le diverse pubblicazioni che leggo con una certa regolarità c’è anche “Il foglio” di Giuliano Ferrara. Soprattutto per l’edizione del sabato, di cui è responsabile Giuseppe Sottile, e che mi ha sempre interessato per la scelta di dedicare ad un argomento dato una pagina intera (o anche due, se necessario) e, soprattutto, per la scelta degli argomenti stessi. Faccio un riferimento duplice. Attingerò, si badi bene, a brani pubblicati circa un mese dopo aver scritto, pressapoco agli inizi di luglio, l'e-mail (con allegati) di cui faccio cenno più sotto. Ecco, dunque, qualche esempio di articoli recenti che ho trovato stimolanti.  Nel numero di sabato 11 agosto in prima pagina c’era un interessante scritto di Paolo Rodari intitolato: “Lo spirito delle suore di St.Louis”. Vale a dire un ritratto della potenziale “rivolta” delle superiore dei principali ordini di suore  esistenti negli Stati Uniti. A pagina III un brano altrettanto interessante, intitolato “Addio alla carta?” centrato sul progressivo abbandono dei lettori (di quelli più giovani, credo) dei giornali appunto scritti su carta, per scegliere via via quelli su internet (mi ricordo quando il proprietario di uno dei più importanti quotidiani del mondo, il “New York Times”, annunciò, fra lo sbalordimento generale, che il suo stesso giornale di li ad una decina di anni sarebbe praticamente scomparso). Infine a pagina IX ecco un articolo di Matteo Marchesini che rievoca, ancora a piena pagina, la figura di Arrigo Cajumi “intellettuale scettico ed epicureo” sotto il titolo “Un limone sott’aceto”. Da ragazzo ho letto molte volte, con una reazione che andava dall’interesse allo sbalordimento, i “Pensieri di un libertino”, pubblicato da Longanesi nel 1947. Molte allusioni e molti riferimenti, spesso radicati in quella Francia del 7/800 che per Cajumi era la patria ideale, mi sfuggivano per colpa della mia cultura incompleta (è restata tale). Ma certamente rimasi affascinato dalla complessità dei rimandi letterari e dalla polemica rivendicazione di un patriottismo “emiliano-piemontese”, allora abbastanza incongruo nelle patrie lettere. Nell’articolo di Marchesini ho pescato un sacco di notazioni interessanti ed ho anche appreso che il letteratissimo, raffinatissimo e snobbissimo Cajumi era poi diplomato in ragioneria (come, credo, Montale).

Queste annotazioni, riguardano, come ho scritto prima, il numero del sabato 11/08/2012. In quelle del sabato successivo, 18 agosto, ho letto con interesse “Colorado di blu o di rosso” un articolo di Andrea Mancia e Cristina Missiroli che, viene annunciato come la prima di una serie di ricognizioni negli Stati decisivi della campagna presidenziale americana. Il titolo riguarda infatti lo Stato del Colorado e analizza le possibilità di vittoria che vi avranno democratici e repubblicani alle prossime elezioni americane. Un altro articolo molto interessante, a pagina III, è “Damnatio Lukács” ancora di Matteo Marchesini, dedicato a quel György Lukács, intelligente e spietato intellettuale marxista che fu, se ricordo bene, citato a spada tratta dal Guido Aristarco di “Cinema Nuovo” (una rivista che nel dopoguerra affascinò per anni molti cinefili, ma non me, e fu tuttavia l’incubatrice di molti critici di vaglia, dal raffinatissimo Guido Fink al combattivo Adelio Ferrero, via via che si liberarono dall’ipoteca aristarchiana). Altro articolo interessante a pagina IV: “La Pomigliano di Francia”, ove Stefano Cingolani analizza i primi, faticati, mesi di carica di François Hollande (tanto amato dalla sinistra italiana quanto è stato odiato “Sarkò”) e in particolare i problemi che nascono dai licenziamenti annunciati da Air France e da Alcatel-Lucent e, ancor più, da Thierry Peugeot, il quale ha preannunciato il taglio di ottomila posti di lavoro e l’imminente chiusura di una fabbrica situata a Aulnay-sous-Bois, vicino a Parigi, dove il 62,5% degli elettori ha votato per Hollande. Mi è parso altrettanto interessante, anche se il personaggio ritratto non mi ha mai stimolato molto, “Wunderkind” di Andrea Affaticati, dedicata a rievocare la figura di Rainer Werner Fassbinder (1946-1982) tempestoso regista tedesco a cui di recente Jürgen Trimborn ha consacrato, proprio nel 30° anniversario della morte, una biografia intitolata “Ein Tag ist ein Jahr, ist ein Leben” (ovvero “Un giorno è un anno, è una vita”, da una frase dello stesso Fassbinder). Come si vede la scelta degli argomenti è abbastanza ampia e articolata, esplicitamente intesa a ricreare, più dell’edizione quotidiana del “Foglio”, sapore e gusto di un supplemento letterario ampiamente atteggiato. 

Per farla breve ho finito col dar retta ad alcuni cauti suggerimenti di Lorenzo Doretti, il quale sosteneva che, secondo lui, le mie capacità di scrittura e di invenzione erano adatte al supplemento del sabato e che pertanto mi conveniva fare una cosa che, in genere, alla mia età faccio mal volentieri. E cioè offrirmi come collaboratore. E’ quello che, alla fine, ho fatto (la decisione mia, il povero Lorenzo non c’entra niente!). Ho inviato per e-mail a Giuliano Ferrara e Giuseppe Sottile una lettera (lo riconosco: troppo lunga  e troppo pomposa) in cui appunto prospettavo l’eventualità di scrivere sul “Foglio” del sabato. Facevo presente che non mi offrivo per quel che riguardava il cinema, argomento che è già trattato severamente da Mariarosa Mancuso, ma, potenzialmente, per argomenti vari. E per togliere a Ferrara e Sottile la noia di andarsi a ricercare dei miei brani nel Blog ho allegato alla mia e-mail la riproduzione di 17 pezzi a suo tempo pubblicati in “Clandestino in Galleria”.

Non mi risulta che l’e-mail sia stata respinta, e quindi presumo che sia giunta a buon fine. Mi rendo conto che non potevo e non posso avanzare nessun diritto ma continuo a credere che alla mia età (a ottobre, se ci arrivo, avrò 83 anni) e dopo tanti anni di mestiere, due righe, anche secche, di risposta negativa me le sono guadagnate. Invece non mi è arrivato niente. Il che mi fa pensare che ho compiuto un duplice errore. Quello di essermi offerto, cosa che ormai faccio raramente, e quello di aver allegato un numero impressionante di pezzi, così da spaventare potenzialmente l’eventuale lettore. Adesso completo l’opera raccontando l’accaduto nel Blog, sperando di non attirarmi compatimenti e/o ironie. Ad uso degli eventuali lettori ripropongo qui l’elenco dei pezzi che avevo comunque inviato, e quello dei pezzi che non inviavo ma di cui citavo la data di pubblicazione nel Blog ed il tema. Forse così facendo esagero e divento ancora più noioso ma mi permetto di sottoporre ai lettori i due elenchi (i brani allegati e quelli citati) per vedere se faccio addormentare anche loro. Mi sono imposto di esternare questa piccola umiliazione giusto per conservare  quel sapore di zoppicante autobiografia che il Blog rivendica sin dall’ inizio.

A) BRANI INVIATI

• I necrologi e la vita;

• Il dirupo di Di Rupo;

• Sempre morte a Montecitorio;

• Cavour era italiano?;

• La geniale e fragile etnologia di Gianni Brera;

• C’è Berlusconi al telefono;

• In the name of Sabatini;

• Due moment della Resistenza Francese;

• Camera Eye: i dimenticati piloti neri;

• Camera Eye: Il Trio Melting Pot;

• Camera Eye: L’eterogenesi del Fini;

• Genova, una ex-città tutta da scoprire;

• Prima puntata su Schoendoerffer;

• Adieu, Sarko!;

• Il Bianco perde il banco;

• Terremoti di oggi ma anche del passato: un’Italia rassegnata, e indifferente anche al ricordo               meritevole di Zamberletti;

• La misteriosa lezione universale dei defunti che scaturisce dalle pagine dei necrologi nei giornali       quotidiani.

B) BRANI CITATI
•18 GENNAIO 2012
BISCAGLINA NON ALLA BASCA MA ALLA GENOVESE
•23 NOVEMBRE 2011
ATTRAVERSO "IL FOGLIO" RIFLESSIONI VARIE SU SARKOZY E DE GAULLE
•21 SETTEMBRE 2011
A FIOR DI PELLE E A FIOR DI LIBIA
•18 LUGLIO 2011
TREMONTI CRITICO LETTERARIO
UN INATTESO RIFERIMENTO A DUE ROMANZI DI GEORGES SIMENON ALLIETA LA VITA POLITICA ITALIANA
•10 DICEMBRE 2010
CONSIDERAZIONI (TEMPORANEE)   SU WIKILEAKS
•21 OTTOBRE 2010
DON MARIO E SIR ROGER
•07 OTTOBRE 2010
Un presente sempre più veloce e sempre più triste
•17 SETTEMBRE 2010
La triste apparizione di Emanuele Filiberto
•08 SETTEMBRE 2010
LE RAGIONI DEL SUD E LE RAGIONI DEL NORD
•20 AGOSTO 2010
LA MIA FEDELTA' A CAVOUR
•12 LUGLIO 2010
VITTORIO EMANUELE III, LE LEGGI RAZZIALI E GALEAZZO CIANO
•02 LUGLIO 2010
RAI VECCHIA E NUOVA
•28 APRILE 2010
Chi non legge in compagnia o è un ladro o è una spia
•04 MARZO 2010
Luciana Frassati, testimone sconosciuta
•29 GENNAIO 2010
Nella Svizzera francese sottovalutano la 'Ndrangheta
•07 GENNAIO 2010
LA SOLITUDINE DEL GIORNALISTA DI FONDO
•25 GIUGNO 2009
La disponibile genialità di Alain Resnais
•12 GIUGNO 2009
ANGELA, NON SEMPRE ANGELICA
•01 GIUGNO 2009
Monicelli Uno e Due
•18 MAGGIO 2009
In nome del “Peuple” italiano
•04 MAGGIO 2009
Marchionne e la nobiltà
•27 APRILE 2009
Wajda, genio polacco
•27 MARZO 2009
Lettera (semi) aperta a Paolo Garimberti
•13 MARZO 2009
Prove di funzionamento del sottogoverno
•02 MARZO 2009
Obama, Semper Fi!
•19 FEBBRAIO 2009
Morire per un'altra Germania
Operazione Valchiria
•11 FEBBRAIO 2009
Misteriosa e inspiegabile Margherita
•30 LUGLIO 2008
IL SORRISO DEL GRANDE TENTATORE

A DOMANDA RISPONDE

Tentativo, forse non completamento riuscito, di determinare la vera durata integrale di "Era notte a Roma" di Roberto Rossellini, che avevo rievocato nel mio "Salvate la Tigre" pubblicato nel Blog il 17 agosto.

Faccio qui riferimento ai tre post che ho ricevuto dopo aver pubblicato “Anche nel Blog si salva la Tigre”.

Andiamo nell’ordine: ringrazio Simone Starace per le informazioni che mi da su “Era notte a Roma” (produzione: 1960). Non sapevo che ne esistessero addirittura quattro diverse edizioni da 158, 143, 137 e 123 minuti. Io mi ricordo di questo. Quando il film venne acquistato dalla Rai, presumibilmente in un “pacchetto”, mi accorsi dei profondi e dannosi mutamenti che erano stati inflitti alla copia originale. E me ne accorsi, perché, evidentemente o avevo visto il film completo in una proiezione privata o l’avevo visto in una sala pubblica ma, almeno inizialmente, in una edizione integrale. Pertanto me lo ricordavo nella versione più logica, con gli interventi (sottotitolati in italiano) in inglese e in russo degli ex prigionieri fuggiaschi (una lingua era quella di Leo Genn  e Peter Baldwin, l’altra  di Sergei Bondarĉuk). E, ancor più, con il bellissimo episodio ambientato nel palazzo dei Principi Antoniani, dove Genn e Baldwin, su invito dei padroni di casa,  si rifugiano e, anzi, il primo, ad un certo momento, riesce a farsi passare per un impeccabile maggiordomo. Paradossalmente, per abbreviare la pellicola, l’intero episodio era stato tagliato. Si tratta di un film che avevo seguito con particolare interesse, sia per il tema “storiografico” di fondo, sia perché era di Rossellini, sia perché i quattro che avevano messo mano alla sceneggiatura - Amidei, Brunello Rondi, Fabbri e lo stesso Rossellini- conoscevano perfettamente l’epoca e la città di Roma. C’era anche un quarto motivo per tenere d’occhio il film: un fatto ben conosciuto nell’ambiente. E cioè che interessato alla produzione era un membro di una famiglia, notissima a Genova, per i negozi di pasticceria e cioccolateria, i Romanengo, tanto è vero che mi era stato facile definire il film “Era notte a Romanengo”.

In ogni caso mi ricordavo esattamente la stesura originale e intervenni decisamente per ristabilire lo “status quo”. Chi conosce il film sa che l’episodio prima ricordato, ambientato in un palazzo di Principi romani, gli Antoniani, si avvale di alcune presenze straordinarie: quella di Paola Stoppa (1906-1988), il principe padrone di casa, che presta servizio in Vaticano come gentiluomo d’onore alla corte di Pio XII. Quella dell’eccellente Hannes Messemer (1924-1991), che è qui un altolocato colonnello tedesco il quale frequenta la casa degli Antoniani da eguale a eguale. E infine quella di una americana, in un certo senso misteriosa, di cui non sono riuscito ad identificare l’identità. Nonostante abbia interpellato in proposito uno dei massimi schedatori italiani, Enrico Lancia, il quale a suo tempo ha fatto una ricerca sugli attori dei film di Rossellini. Egli mi ha confermato che rimane una donna sconosciuta, forse una dipendente dell’Ambasciata americana amica di Rossellini. Disegna con notevole talento una figuretta che sembra tolta di peso da un elzeviro di Curzio Malaparte. E’ visibilmente una di quelle signorine di buona famiglia provenienti dagli Stati Uniti che, nella parte iniziale del XX secolo erano venute a Roma in visita culturale ed avevano finito con lo sposare esponenti della nobiltà capitolina. Nei salotti degli Antoniani la signora (forse la mamma del principe, forse la suocera) è autorevole ma politicamente inaspettata e “scorretta”. Americanissima è, tuttavia, apertamente fascista e con il giovane prigioniero americano se la prende con Roosevelt, il quale ha usato fare la guerra a Mussolini. È un guizzo di sceneggiatura di alto livello e di compiaciuta furbizia, che probabilmente rischia di essere trascurato da molti spettatori.

Francamente io non so orizzontarmi nelle quattro versioni citate da Starace e non mi ricordo più in che anno avvenne l’opera di “Restitutio” da me operata. Non riesco più ad orientarmi fra le varie possibilità che egli annovera. Sembra anche a me, per un minimo di manicatura nelle misurazioni di film che mi è rimasta dopo tanti anni che la versione di Starace sia la più attendibile e cioè che la versione definitiva corrisponda a 143’ complessivi, cioè ad una cifra vicina a quel 123’ + 18’ = 141’, che lo stesso lettore evoca.

Ringrazio anche un’altra fedelissima, Rita M., che mi ribadisce di leggere con molto piacere le cronache dei miei “salvataggi”. E infine, la fedelissima per eccellenza, Rosellina Mariani, che ribadisce  la sua attenzione per chi salva le tigri ...

ANCHE NEL BLOG SI SALVA LA TIGRE

L’anno scorso Aldo Fittante, direttore del noto settimanale FilmTv, mi invitò ad allestire una mia rubrichetta mensile a carattere retrospettivo. Gli proposi di cercare di ricordare qualcuna delle operazioni di “recupero” e di “innovazione di mercato”, che avevo operato nel campo del cinema durante i miei 24 anni di Rai. Mi suggerì il titolo, “Salvate la tigre”, che, come molti ricorderanno, è un film del 1973 diretto John G. Avildsen con una grande interpretazione di quello splendido attore che fu Jack Lemmon (1925-2001). Il titolo mi piacque e varammo la rubrica, che da allora va in onda regolarmente (con qualche possibile ritardo) il primo martedì del mese. Concordammo con il direttore una durata di 1.800 battute al pezzo (come è noto i computer vi calcolano immediatamente le battute di uno scritto, con gli spazi e, volendo, anche senza gli spazi). Ho lasciato, anche in questa riproduzione del testo, l’indicazione del numero delle battute. E’ una ovvia civetteria professionale di chi, grazie a decenni e decenni di professione, riesce a calcolare gli spazi quasi al millimetro, riducendo, per scrupolo, di qualche battuta il conto complessivo.

Ho avuto ora da Fittante l’autorizzazione a pubblicare nel Blog alcune puntate di “Salvate la tigre”, naturalmente in ordine di tempo. Provvedo adesso a farlo con le tre puntate iniziali, apparse a cominciare dai primi di novembre 2011. E via via riporterò le altre, lasciando passare un discreto periodo di tempo da una pubblicazione all’ altra.

Vorrei ricordare che nella prima puntata della rubrica, come potrete controllare qui sotto, sono ripresi gli stessi dati sull’origine del titolo e dei testi di cui si fa cenno anche all’inizio della presente introduzione. Ma da un lato è apparso inevitabile per non iniziare in modo oscuro la pubblicazione di questo pezzo. Dall’altro conservare la prima puntata nella sua interezza era un obbligo non rinunciabile. Come si vede la misurazione riguarda il testo propriamente detto mentre la breve introduzione in corsivo è misurata a parte.

Mi auguro che questa pubblicazione interessi ai lettori, pur nella sua sostanziale modestia. Ho pensato, soprattutto, ai cinefili che mi scrivono. Amanti, come amò dire Pietrino Bianchi, della “chose cinématographique”. Se qualcuno vuol scrivermi la sua impressione (spero non troppo negativa) gliene sarò grato.

Faccio presente ai lettori che la rivista costa 1 euro e 80 centesimi. La redazione di FilmTv è situata in via Settala, n.2, 20124 Milano. Il telefono è 02/36.53.78.00. Il fax è 02/36.53.78.14. Infine l’e-mail è: segreteria@film.tv.it . La rivista è distribuita da Parrini&C ed è trovabile in tutte le edicole.

Ecco le prime tre rubriche, così come sono state pubblicate. 

1) Salvate la Tigre

Il titolo è un utile suggerimento di Aldo Fittante, che rievoca il film di John G. Avildsen ( 1973) ed è implicitamente un omaggio al grande Jack Lemmon. Nella rubrica  cerco di recuperare tutti i titoli che, grazie all’opera intensa in 24 anni di Rai, sono riuscito ad immettere nel mercato italiano (se non altro in quello televisivo) oppure, in caso di mutilazioni, a restituire “in integrum”. Fu una felice alternativa all’oscuro, continuo e asfissiante lavoro di programmazione quotidiana.

( battute: 494)

Alla fine degli anni Settanta, a Rai Uno, mi ero messo in testa di recuperare per la televisione i più interessanti film inediti interpretati, dal 1929 al 1938, dai fratelli Marx. In particolare “The Cocoanuts”, “Animal Crackers”, “Monkey Business”, “Horse Feathers” e “Duck Soap”. Tutti rimasti allora inediti per diversi motivi, fra cui, quello tardivo ma decisivo, e cioè la proibizione di importarli, emanata nel 1939. Cominciai attraverso l’ efficiente Ufficio Acquisti di Rai Uno una complessa battaglia legale per ottenere i diritti dei film. E ci riuscì solo per uno di essi (non ricordo più quali erano i complessi problemi che impedirono gli acquisti degli altri; ma nel cinema i problemi di diritti sono sempre complessi e a volte inesplicabili). In compenso il film che riuscii a strappare agli aventi diritto (credo fosse la Paramount) era forse il migliore di tutti: ”Duck Soap” del 1933. Per il doppiaggio (mi fu sempre interdetto l’uso dei sottotitoli) l’adattamento, per fortuna, fu affidato a Oreste Lionello, di cui divenni poi ottimo amico al Festival del Doppiaggio “Voci nell’ombra” di cui sono dalla fondazione direttore artistico. Oreste era un uomo geniale - e non soltanto il furbetto del Bagaglino – che aveva un talento creativo come adattatore – inventore (lo ha dimostrato ampiamente con Woody Allen). Uno dei più qualificati per cercare di risolvere in italiano i complicati e spesso folli giuochi di parole tipici del dialogo dei fratelli Marx. Per mio conto completai la mia opera inventando il titolo italiano del film, appunto “La guerra lampo dei fratelli Marx” in cui riuscii ad accoppiare l’idea del “Blitzkrieg” con il nome “in ditta” dei protagonisti che era un decisivo marchio di fabbrica. L’idea fu fortunata ma nessuno me ne ha mai riconosciuto il merito.

(Battute: 1.799)

Claudio G. Fava.

2) Salvate la Tigre 

Nel 1960 apparve un film di Rossellini (anche sceneggiatore con Amidei, Fabbri e Brunello Rondi) che da molti è considerato secondario, “Era notte a Roma”. Qualche anno dopo, il titolo approdò a Rai Uno. Mi accorsi con mio stupore che era stato scorciato di un intero episodio. Inoltre il doppiaggio rivelava  una sorta di follia tutta nostrana. Al centro del film tre ufficiali ormai ex-nemici, un inglese (Leo Genn), un americano (Peter Baldwin) e un russo (l’allora famoso regista Sergei Bondarčuk) che, dopo l’8 settembre fuggono insieme da un collettivo campo italiano di prigionia (ipotesi storicamente poco probabile). Si fidano di una falsa suora (Giovanna Ralli), in realtà una “borsanerista”,  grazie alla quale giungono a Roma, protetti da un gruppo di resistenti, tra cui Enrico Maria Salerno e Renato Salvatori. Alla fine dopo molte peripezie, vengono ospitati e salvati dai padroni di casa in un palazzo principesco romano. Dei fuggiaschi, due parlavano fra di loro in inglese e il terzo russo con tutti, e naturalmente nessuno li capiva. In parte il dialogo originale era stato conservato, senza sottotitoli, e a tratti doppiato in italiano, per cui ne nasceva una totale incongruenza di rapporti e di reazioni, e i tre sembravano vagamente deficienti. Inoltre l’episodio dei principi, a mio parere il più bello di tutti con uno splendido Paolo Stoppa (c’era anche una suocera americana e fascista, che attacca Roosevelt), era stato, come ho detto, tolto di peso. Lo recuperai, sottotitolai tutto quanto era necessario sottotitolare, e riuscii a mettere in onda un film che ho sempre molto amato. Anche il Morandini annota che l’edizione Tv è più lunga di 18’ ma (non l’ho mai detto a Morando, che non poteva saperlo da altra fonte) ancora una volta, nessuno riconosce i miei meriti!

(Battute: 1.798)

Claudio G. Fava

3) Salvate la Tigre

Un recupero, minimo ma che ho sempre rivendicato, è quello che operai su un film di René Clement di cui pochi si ricordano: “Il giorno e l’ora” (Le jour et l’heure, 1963) ambientato, come molti del regista, durante la Seconda Guerra Mondiale. La cosa accadde, presumo, quando ero ancora a Rai Uno dove mi occupavo solo di film ed avevo quindi molto più tempo per singoli interventi. Il racconto riguarda un pilota americano (Stuart Whitman) abbattuto durante un bombardamento e salvato da un gruppo di partigiani francesi. Il loro capo (Michel Piccoli, ancora confinato in parti secondarie) non sapendo come proteggerlo, lo confida, in abiti borghesi, a Thérèse, una riluttante professoressa di inglese (Simone Signoret), da lui conosciuta casualmente. Il pilota non parla una parola di francese e perciò la donna è l’unico legame con il mondo. Fra i due, dopo il primo imbarazzo, nasce un rapporto amoroso. Fuggono verso la Spagna, alle prese con la Gestapo, resistenti, magistrati, piloti alleati in fuga. Ovviamente Thérèse e il pilota si parlano obbligatoriamente in inglese. In Italia avevano risolto il problema doppiando in italiano tutti i dialoghi originali in francese e in inglese (sottotitolato)! Il risultato finale era che i due sembravano vagamente deficienti: mi ricordo un viaggio in un “metro” affollatissimo, lui vede dei soldati tedeschi e dice, pressappoco, “They are Jerries!” (Sono tedeschi!) e lei, terrorizzata, ribatte “Don’t speak english!”. Tradotto con “Non dica stupidaggini!”. Riuscì a recuperare tutti i dialoghi originali e li  feci sottotitolare. Il film venne trasmesso alla Rai senza particolare successo (non meritava di più), nessuno si accorse di niente e nessuno ne parlò. Eppure, non so perché, sono sempre stato orgoglioso del mio nascosto intervento.

(Battute 1.793)

Claudio G. Fava

RISPOSTA A SIMONE STARACE

Rispondo volentieri a questo gentile lettore (dal cognome impegnativo) che mi invia frammenti di un press-book su Andy Griffith. Tanta gente ha imparato a conoscerlo, guardando la televisione, nei panni astuti e bonari dell’avvocato Matlock probabilmente non sospettando che il bonario protagonista si era rivelato al cinema nel 1957 nei panni di un cantante popolare di grande successo, che in realtà disprezzava il suo pubblico. Ancora una volta siamo di fronte ad uno di quei paradossi insiti nel “congelamento” delle immagini, tipico degli archivi cinematografici e televisivi. In certo senso esiste solo il presente, che inghiotte voracemente il passato, sia vicino che lontano. Un’altra osservazione stimolata dalla presenza di Andy Griffith, riguarda il suo accento di origine e quello, forzatamente neutro, del doppiaggio italiano. Griffith, originario della South Carolina, aveva, e soprattutto se necessario sfoggiava, un forte accento del sud degli Stati Uniti. Il cosiddetto “Southern Drawl”, che costituisce una delle presenze fonetiche più forti nel concerto complessivo degli accenti e delle cadenze dell’inglese americano. Il suo accento era in qualche modo implicito nei due personaggi di cui parliamo. Lonesome Rhodes, il cantante girovago dell’ Arkansas e l’avvocato Matlock, di Atlanta (Georgia) sembra fossero fortemente caratterizzati dal tono della voce. Il che rappresentava un implicito passaporto ad uso degli spettatori (pensate all’accento napoletano di Totò o a quello romano di Fabrizi o a quello cremonese di Tognazzi). E’ uno di quei particolari decisivi che il doppiaggio non consente di far sopravvivere. Lo dico con la consapevolezza di esser da circa 15 anni il direttore artistico di quello che forse è il più noto Festival italiano in materia (probabilmente i tagli ai bilanci dei Enti Locali hanno ghigliottinato la manifestazione). Ed è questa impossibilità di conservare sapori e coloriture del testo originale l’arma più forte che si può usare contro l’abitudine di doppiare i film stranieri (a favore vi sono, ovviamente, l’uso fortemente radicato in Italia e la possibilità di rispettare la stesura di un testo originale che, forzatamente, le didascalie non possono recuperare). 

Mi sembrava interessante riportare questi particolari ad uso degli spettatori del film di Kazan. Fra l’altro ultimamente mi sono chiesto se una personale del regista greco-turco-americano potrebbe interessare i “clienti” del Blog.

Resto in attesa di eventuali suggerimenti al riguardo. 

QUALCHE “RIS – POST” AI SOLITI AFFEZIONATI, UNA PROMESSA DI FILM ED UNA BREVE VACANZA.

Nell’ ordine in cui le “lettere” mi sono pervenute rispondo qui ai lettori che mi hanno scritto e che sono molto spesso gli stessi, adunati “en petit comité”.

A proposito del mio pezzo sul 25 luglio 1943 (pubblicato il 25 luglio del 2012!) ringrazio il Principe Myskin per “il bisturi di cristallo morbido”, espressione che anche fra virgolette cela un certo mistero. Grazie anche ai fedeli corrispondenti Rosellina Mariani e Rear Window per la loro affettuosa approvazione.

Passiamo ai commenti sul film “Bandiera gialla” posto nel Blog il 26 luglio. Ringrazio Rita M. per aver evocato “Un albero cresce a Brooklyn”, un film del 1945 che credo di non aver più visto da quel tempo. Era il primo di Kazan, fino a quel momento solo uomo di teatro, e lo vedemmo subito dopo la fine della guerra. Forse ancora nelle edizioni sottotitolate a cura del P.W.B. (Psycological Warfare Branch), l’organismo dell’esercito U.S.A. incaricato di sovraintendere a tutti i problemi di comunicazione e di informazione nei paesi ove si addensavano le truppe americane. Da ragazzo mi fece una grande impressione,  che mi è rimasta ancora impressa dopo più di sessant’anni. Ho controllato e ho scoperto che mi ricordavo ancora i nomi degli attori. E cioè Peggy Ann Garner, allora tredicenne, Dorothy McGuire, James Dunn, Joan Blondell e Lloyd Nolan. Ovviamente, sono morti tutti, a testimonianza della commovente lontananza in cui è immerso quel cinema americano che mi folgorò durante l’adolescenza. La referenza fatta da Rosellina a proposito di “Fronte del porto” mi pare tipica di tutta una generazione di spettatori affascinata non soltanto da Marlon Brando ma anche, via via, da Lee J. Cobb, da Rod Steiger, Eva Marie Saint (ha 88 anni ed è viva!), Karl Malden (Mladen George Sekulovich era il suo vero nome) e Nehemiah Persoff (anche lui  è ancor vivo ed ha 93 anni!).

In quanto ad un altro affezionato, e cioè Rear Window, mi fa piacere che citi “Un volto nella folla” con Andy Griffith, Patricia Neal, Anthony Franciosa, Walter Matthau e Lee Remick. Non so se egli ha notato che il protagonista Andy Griffith, il quale ha avuto una lunga carriera cinematografica ma soprattutto televisiva, è lo stesso attore, ovviamente molto invecchiato, che dal 1986 al 1995 ha interpretato per la televisione ben 198 episodi di un seriale americano di successo, proiettato ai nostri giorni anche da reti televisive nazionali. Si intitola “Matlock” e Griffith vi ha ottenuto un notevole successo nei panni di un furbesco avvocato di provincia in grado in ogni puntata di smascherare un assassino. Benjamin Leighton "Ben" Matlock vive  e lavora a Atlanta (Georgia), e sembra che nell’originale il personaggio sia stato contraddistinto da un forte accento del Sud, il cosiddetto “Southern Drawl”.  Non vorrei sembrare un collezionista di salme ma ho controllato le date ed ho visto che Andy Griffith, nato il 1 giugno 1926, è morto proprio pochi giorni fa, e cioè il 3 luglio 2012. Valgano queste poche righe come una sincera forma di necrologio.

Infine per quanto riguarda i commenti dopo il mio brano sulle province, apparso il 27 luglio, ringrazio ancora Rosellina e il Principe Myskin (entrambi “aficionados” di prima classe) e mi limito a riservarmi di scrivere ancora sul tema. Ritengo che nella pratica quotidiana dell’Italia di ieri e di oggi, le province (soprattutto quelle più antiche e consolidate) siano un riferimento obbligato alla nostra conversazione. Istintivamente è ad una provincia che facciamo riferimento quando indichiamo l’origine o l’appartenenza di qualcuno: “viene da XXX, un paesino nella provincia di YYY”. Mentre il riferimento alla Regione è meno naturale e più pomposo (come si fa a dire: “viene dall’Emilia – Romagna” o “dal Friuli – Venezia Giulia?”). Non dimentichiamo poi che delle 20 regioni ben 5 sono a Statuto Speciale: 3 di esse (Sardegna, Sicilia e Friuli Venezia Giulia) lo sono per lusingare motivi e movimenti autonomisti se non indipendentisti, forse largamente superati dal trascorrere dei tempi. E pertanto questa speciale caratteristica non può che lasciare lievemente perplessi, se si pensa alla quantità clamorosa di denaro che, a quanto si legge nei giornali, verrebbe spesa dalla regione Sicilia. Altre 2 possono vantare motivi più radicati: la Valle D’Aosta lo è in certo senso per chiedere scusa di un centralismo dell’800 e del 900 che di fatto ha sradicato dalla regione l’uso della lingua francese, nonostante sia formalmente osservato un bilinguismo ossequioso che non ha, se non mi inganno, un vero seguito nella regione stessa. L’unico caso veramente giustificato è quello dell’ Alto Adige, di fatto costituito da un lembo meridionale del Tirolo, dopo la nostra vittoria nel 1918 trasformato a forza in una regione italiana. In realtà è costituito da una provincia italofona, Trento, e da una prevalentemente tedescofona, e cioè Bolzano (in entrambe esistono minoranze ladine). Le competenze regionale credo siano state in buona parte trasferite alle province, riconoscendo quindi il carattere essenziale che l’istituzione conserva in Italia. Nella provincia di Bolzano l’uso del tedesco da parte della popolazione d’origine austriaca è ormai tutelato da accordi internazionali ed è il minimo che si potesse fare da parte nostra per rispettare la struttura originaria di una zona in cui il tedesco era la lingua largamente predominante e che, a causa della nostra vittoria del 1918, è stata strappata di peso all’Austria e inclusa nei nostri confini (se gli italiani avessero avuto l’intelligenza di imparare e rispettare la lezione di tolleranza linguistica ed etnica impartita per secoli dall’Austria – Ungheria non ci saremmo trovati nelle condizioni in cui ci trovammo per lunghi anni nel cosiddetto Alto Adige, che gli indigeni preferiscono chiamare Südtirol).

Ultimo argomento è quello del prossimo film, forse più conosciuto di quelli che ho incluso in precedenza nelle mie “recensioni” vocali, ma che resta pur sempre una grande e divertita curiosità del cinema americano dei primi anni’40. Spero di riuscire a porlo nel Blog a partire dalla prima settimana di settembre.

Vorrei fare anche presente che, salvo sorprese dell’ultimo minuto, ho intenzione di sospendere per il mese di agosto l’apporto di nuovo materiale nel Blog. Da molto, troppo tempo ho promesso un libro a Francangelo Scapolla, editore de “Le Mani” (che in passato ha edito anche il mio “Cinema di guerra in 100 film”) e vorrei concludere al più presto possibile (ci vorranno, comunque, alcuni mesi). E’ un lavoro a più mani, che implica alcune complicazioni.

In ogni caso a presto e, senz’altro, ai primi di settembre.

IL MISTERIOSO (E DRAMMATICO) PROBLEMA DELLE PROVINCE

Mi riservo di ritornare sull’ argomento se, e quando, avrò trovato maggior materiale in proposito. Per ora voglio soltanto comunicare la mia perplessità di fronte alla trionfalistica decisione di ridurre (in un primo tempo di abolire) le Province. Sono uno dei pochi legami che ci uniscono ancora al Risorgimento e quindi anche, per il loro fisiologico rapporto con le Province, alle istituzioni stesse delle Prefetture e perciò all’ esperienza napoleonica in Italia.

Ho paura che per portare a termine un esperimento (dovrebbe farci risparmiare non so bene quanto denaro) da un lato allargheremo i poteri, sempre più esaltati, delle Regioni, notevole fonte di spesa e di posti dirigenziali. E dall’altro peggioreremo ulteriormente la situazione dei Comuni. L’istituzione delle cosiddette “Città metropolitane” allargherà i confini, già barcollanti, di quei Comuni che verranno ulteriormente ingranditi. Penso per esempio alla Liguria, dove Genova arriverà ad inghiottire, se ho capito bene, Comuni vicini e per ora abbastanza floridi. Ripetendo quell’errore che fu sotto il Fascismo l’invenzione della cosiddetta “Grande Genova”, che con l’andar del tempo inflisse un colpo mortale a Comuni un tempo funzionanti, da Nervi a Sampierdarena. D’altro canto la riduzione delle Province soltanto a due, a levante La Spezia e a ponente Imperia  (peraltro nata scioccamente nel 1923, quindi già sotto Mussolini, dalla fusione forzata di due Comuni che si sono sempre odiati, Porto Maurizio e Oneglia) spaccherà maggiormente la Regione. Ribadendo la presenza di un ponente di destra e di un levante di sinistra, differenze relativamente temperate dall’attuale presenza della Provincia di Savona e, grazie appunto alla Provincia di Genova, di una grande città meno invasiva.

Non so se sono il solo a deplorare tutto ciò ma penso comunque di avere ragione.

9 - Alcuni film americani che conviene avere visto - Bandiera gialla

NONA PUNTATA DELLA RUBRICA IN CUI SI "RECENSISCONO" OPERE CINEMATOGRAFICHE DEL PASSATO PROSSIMO
Bandiera Gialla (Panic in the Streets) di Elia Kazan (1909-2003)

E’ un film del 1950 interpretato da Richard Widmark (dottor Clinton Reed), Barbara Bel Geddes (Nancy Reed), Paul Douglas (l’agente Tom Warren) e da Jack Palance nella parte di Blackie (qui probabilmente all’esordio, il suo vero nome era Volodymyr Palanhiuk). Il pavido Raymond Fitch è interpretato da Zero Mostel, grande attore di carattere, molto stimato da Kazan e messo da parte durante il periodo del cosiddetto maccartismo. Poldi è interpretato da Guy Thomajan. Lo sceneggiatore fu Daniel Fuchs, la supervisione alla sceneggiatura di Stanley Sheur, la sensibile fotografia in bianco e nero di Joe Mac Donald. La versione italiana del film è doppiata, per le parti principali, da attori che conosciamo poco: Widmark è doppiato da Adolfo Geri, Douglas da Gaetano Verna, Barbara Bel Geddes da Clelia Bernacchi. Nei personaggi minori si ritrovano invece le voci famose di Giorgio Capecchi, Giuseppe Rinaldi, Luigi Pavese, eccetera. Mi sembra interessante riportare qui una dichiarazione del regista a proposito del film: “Avevo deciso di non essere più schiavo di un copione e in Bandiera Gialla per la prima volta l’ho trascurato. Avevamo un camion di accessori con una macchina d ascrivere dove ogni mattina lavoravo con lo sceneggiatore (adattamento Daniel Fuchs, supervisione: Stanley Sheuer). La sceneggiatura all’inizio era mediocre ma potevamo riscrivere ogni scena-e soprattutto utilizzare i colori e la straordinaria ricchezza di New Orleans. Abbiamo girato nelle strade dei bordelli, nei bar malfamati, sui moli. Ho mantenuto un tono di improvvisazione per tutta la lavorazione del film invece di osservare rigidamente il testo scritto. Nessuno dello studio controllava il nostro lavoro: non si sapeva mai dove sarei andato l’indomani e abbiamo fatto delle riprese in ogni quartiere della città cosa che faceva impazzire tecnici e attori. Alcuni si lamentavano delle mie decisioni improvvise di prendere la barca o il treno. Però mi sono più divertito che in tutti i miei lavori precedenti.” (Dall’intervista di Michel Ciment riportata in “Elia Kazan” a cura di Edoardo Bruno) Bandiera Gialla è il sesto lungometraggio di Elia Kazan preceduto, oltre che da due brevi documentari del 1937 e del 1945, da cinque film di fiction propriamente detti: “Un albero cresce a Brooklyn” (1945); “Il mare d’erba” (1947); “Boomerang, l’arma che uccide” (idem); “Barriera invisibile” (idem); “Pinky la negra bianca”(1949). Kazan arrivò al cinema e ottenne un certo successo sin dall’inizio dopo una lunga e fortunata attività di uomo di teatro: attore, in almeno dodici spettacoli diversi, dal 1930 al 1941; regista, dal 1934 al 1964, di quasi trenta spettacoli, molti di successo. Abile e addestrato sin dall’inizio nel cinema al controllo e alla direzione degli attori, si impratichì rapidamente nel linguaggio delle immagini, via via dimostrando una conoscenza sempre maggiore ed una personalità estremamente adatta al nuovo mezzo di comunicazione. Per scrupolo cito qui anche i film successivi a “Bandiera Gialla”: “Un tram che si chiama desiderio” (1951); “Viva Zapata!” (1952); “Salto mortale” (1953); “Fronte del porto” (1954); “La valle dell’Eden”(1955); “Baby Doll-La bambola viva”(1956); “Un volto nella folla” (1957); “Fango sulle stelle” (1960); “Splendore nell’erba” (1961); “Il ribelle dell’Anatolia (America America)” (1963); “Il compromesso” (1969); “I visitatori” (1972); “Gli ultimi fuochi” (1976). Dopo questo film non vi sono tracce di altre opere di Kazan, che morì come si è detto nel 2003 a 94 anni, dimenticato dai produttori ma non dagli appassionati di cinema. Si tenga conto del fatto che diversi suoi film degli anni ’50 furono non solo un successo ma anche un vero caso internazionale: “Un tram”; “Fronte del porto”; “Baby Doll”, eccetera. Fra tutti quello forse più toccante è “America America” dove Kazan ripercorre idealmente il cammino dei genitori. Infatti Georges Kazanjoglu e Athena Simanoglu appartenevano entrambi alla minoranza greca della Turchia (parlavano greco in casa e turco fuori). Quando Elia era piccolissimo i genitori si trasferirono a Berlino, poi tornarono ad Istanbul e infine emigrarono negli Stati Uniti, arrivando a New York nel 1913. Qui visse Kazan, dall’età di 4 anni fino alla morte, identificandosi profondamente con la città, le sue caratteristiche ed i suoi problemi. Figura decisiva nella storia del cinema americano da metà degli anni quaranta sino alla metà degli anni settanta, Kazan lo è stato anche per tutta quella Hollywood che fisicamente e moralmente fa capo a New York. All’inizio degli anni cinquanta fu protagonista di un momento molto discusso dei processi mossi dalla speciale commissione del Congresso degli Stati Uniti contro i comunisti. Kazan ammise di esser stato iscritto al partito comunista americano e di essere poi stato praticamente espulso per motivi ideologici. Profondamente anti-staliniano, almeno dalla firma del patto Molotov-Ribbentrop del 23 agosto 1939. Kazan ha rivendicato il diritto, in un momento molto particolare della lotta ideologica nel mondo, di denunciare il suo passato e quelli che erano stati obiettivamente i suoi compagni di militanza e quindi, almeno potenzialmente, di tradimento. (Il Dvd del film, su cui ha lavorato Doretti, è stato acquistato attingendo al sito E-bay.it, ed è costato 16,49 euro comprese le spese di spedizione).

Il 25 LUGLIO (1943) NEI RICORDI VAGHI MA STRINGENTI DI UN RAGAZZO DELL'EPOCA.

Mi sono accorto, per caso, che oggi è il 25 luglio, ed ancora una volta mi sono reso conto di come crudelmente si stemperino gli avvenimenti e le date importanti, logorate dal trascorrere del tempo.

Forse la mia è l’ultima generazione (già i settantenni sono automaticamente esclusi) che possa in qualche modo ricordarsi di che cosa rappresentò per un’ intera nazione  la data del 25 luglio 1943. E’ ormai destinata ad allinearsi negli sgabuzzini del tempo insieme ad altre date decisive nel momento in cui prendevano corpo, via via abbandonate ad ingrigire nell’indifferenza (da quella della dichiarazione di guerra del 1940 a quella della caduta del muro di Berlino …).

Il 25 luglio 1943 avevo 13 anni e 9 mesi ed ero perciò abbastanza ricettivo per cogliere l’estrema importanza di quel che era successo. Se ricordo bene accadde in mattinata (eravamo in campagna, presso Novi Ligure): mia madre si avvicinò al mio letto, cominciò a scuotermi dolcemente e quando, con la riluttanza a svegliarsi tipica dell’adolescenza, apersi gli occhi, essa mi disse: ”Claudio svegliati, è caduto Mussolini!”.

Teniamo conto di quale era l’automatismo dell’insegnamento “statale” durante il periodo del fascismo. Alla mia nascita Mussolini era Presidente del Consiglio e Capo del Governo già da 7 anni, sicché quando andai alle scuole elementari e poi alla scuola media, la struttura formale del consenso era già stata eretta e solidificata. Come dimostrano gli avvenimenti successivi al 25 luglio l’immenso apparato della costruzione fascista crollò in pochi giorni, con una partecipazione di popolo altrettanto fastidiosa di quanto lo erano state le innumerevoli folle festanti dell’ostentazione fascista. Ma per un ragazzo della mia età la notizia era pur sempre enorme, e quasi incredibile. Bisogna ricordarsi che fin dalla prima elementare eravamo soggetti ad un meccanismo di integrazione, italicamente cinico ma in apparenza ferreo e incrollabile. A partire dal primo giorno di scuola divenni Figlio della Lupa e successivamente, mi pare con l’arrivo nella scuola media, Balilla. In particolare Balilla Marinaretto perché frequentavo una scuola ormai scomparsa, il Vittorino da Feltre di Via Anton Maria Maragliano a Genova, tenuta dai Padri Barnabiti (vi aveva perfino studiato, credo in corsi di ragioneria poi scomparsi, Eugenio Montale). Dalle elementari al liceo tutti gli alunni formavano un unico reparto della G.I.L. chiamato Legione Autonoma “Antoniotto Usodimare” (un cognome particolarmente adatto per un corpo di apprendisti marinai). In realtà non apprendevamo niente perché il nostro Rettore fu per anni un sacerdote fascistissimo, che era stato perfino, durante la conquista dell’Impero, cappellano di una divisione delle milizie, la “23 Marzo”. Grazie alla presenza del Rettore eravamo considerati, evidentemente, tanto fidati da venire di fatto esentati dalle obbligatorie adunate del cosiddetto “Sabato fascista”, che invece guastavano le feste a tutti gli alunni delle scuole governative. Ma comunque l’identificazione formale del fascismo con la Cosa Pubblica e di quest’ultima con la perfezione, era totale. Mi ricordo che in classe nella parete di fronte a noi vedevamo il Crocefisso ed ai due lati le fotografie del Re e del Duce, come in una sorta di Trinità eretica ma patriottica.

Ovviamente il tentativo di comprendere quello che era successo fu vivissimo in me per tutti i 45 giorni di Badoglio. Mi ricordo ancora della curiosità accesa con cui seguivo sul Corriere della Sera le prime, scaltre cronache da Roma ove venivano esplorati tanti aspetti del Regime appena crollato. Comprese le indiscrezioni fra il liberatorio e il servile con cui veniva sollevato il mistero che aveva circondato la relazione fra Mussolini(chiamato nell’intimità Bibi, precisavano i giornali) e la Petacci.

Insomma quel 25 luglio di 69 anni fa rappresentò per me una sorta di clamorosa iniziazione al mondo degli adulti. Che da ragazzi al tempo stesso si invidia e si depreca, all’interno di quell’eterna commedia drammatica del vivere, dell’invecchiare e del morire in cui si riassume il mistero della nostra esistenza.

Dire (come facevano i nostri antichi quando ricorrevano a citazioni francesi per sentirsi importanti), “tout casse, tout passe, tout lasse” è forse banale ma al tempo stesso decisivo.

A DOMANDA RISPONDE E RINGRAZIA

Ringrazio di cuore gli otto corrispondenti che mi hanno inviato un post dopo che avevo messo una nota sul mio ricovero a San Martino (Pronto Soccorso). Potrei rispondere con lo stesso annuncio pubblico che nell’ ottobre del 1944 fece il Maresciallo MacArthur di ritorno nelle Filippine, abbandonate, incalzato dai giapponesi, nel marzo del 1942. Egli, circondato da fotografi e da cineoperatori, mise i piedi nell’ acqua scendendo da un mezzo da sbarco su una spiaggia sabbiosa e dichiarò: “I come back!” (credo che, per facilitare le riprese, abbia dovuto ripetere il gesto due volte ma quel che conta che alla storia sia stata consegnata un’immagine unica).

Anch’io sono di ritorno e mi sento pertanto molto vicino a MacArthur.

Ho fatto un utile esperienza sui pregi e sui difetti del funzionamento di un importante reparto di emergenza di un grande ospedale. Chi non ci vive probabilmente non è in grado di capire che cosa sia l’afflusso continuo, ininterrotto e angoscioso di malati già coricati su barelle, spesso in condizioni gravi, e così numerosi da dover essere per ore e ore parcheggiati nei corridoi. Non sembra di essere nell’ospedale di una città di soli 600 mila abitanti ma si ha l’impressione di vivere in una metropoli senza confini.

Cito qui di seguito le persone che mi hanno inviato un post al riguardo: Rosellina Mariani, Rear Window (Paolo), PuroNanoVergine, Rita M., Carlo Bernasconi, Principe Myskin e due Anonimi. Ripeto i miei ringraziamenti collettivi e singoli. Ringrazio anche Sandro Cima Vivarelli che, sempre per lo stesso motivo, mi ha inviato un’e-mail(all’indirizzo:claudio.g.fava@village.it). 

Gli faccio osservare che può scrivere direttamente sul Blog (Clandestino in galleria) ricorrendo ad una semplice operazione: entra nel mio pezzo da lei prescelto, clicca su “posta un commento”, lo scrive nello spazio a ciò destinato e clicca ancora sul rettangolino intitolato “pubblica commento”. 

A questo punto l’operazione è conclusa.

ASSENTE GIUSTIFICATO

Sono assente dal Blog da almeno sette giorni dato che sono stato ricoverato per una fastidiosa, ma non grave, complicazione intestinale all'Ospedale San Martino di Genova.
Sono collocato in un'appendice del Pronto Intervento, chiamata Unità di Crisi. La cosa mi lusinga molto perché mi sembra di aver vinto un concorso al Ministero degli Esteri. Mi auguro di essere riconsegnato alla vita civile entro la prossima settimana. Proseguirà comunque la preparazione di un film americano d'epoca, che spero piaccia a voi così come è piaciuto a Doretti.
Per ora molti saluti a tutti,
Claudio G. Fava

MINIMA (MA SPERO UTILE ) PRECISAZIONE RIGUARDANTE IL FILM “L’ULTIMA MINACCIA” E, IN PARTICOLARE, IL TITOLO ORIGINALE AMERICANO

Nel testo che accompagna le immagini e la “recensione” de “L’ultima minaccia” (vedi giorno 03/07/12) ho ricordato che il titolo originale contiene la parla “deadline”, la quale in inglese ha diversi significati, tuttavia in qualche modo affini: "termine non prorogabile" oppure "linea insuperabile" e anche "ora di scadenza”. Quasi per caso, ricercando altri temi, ho trovato una spiegazione più calzante, e più strettamente cinematografica, nel libro di Jacqueline Nacache “Il cinema classico hollywoodiano” edito nel 1996 da “Le Mani” (che per combinazione è lo stesso editore del mio libriccino “Guerra in 100 film”). All’interno di un capitolo intitolato “Hitchcock e il racconto in sospeso” l’autrice, fra l’altro, dedica un ampio frammento proprio all’argomento, scrivendo appunto della “regola della deadline” che definisce, sulla scorta di quanto affermato da D.Bordwell, “una sindrome”, precisando che “è uno dei marchi di fabbrica della drammaturgia hollywoodiana. Ricorda che: “(…) innumerevoli sono i film di tutti i generi nei quali l’intreccio è dinamizzato  da un’ ora data/limite, si che si tratti di una rapina a mano armata, vedi Rapina a mano armata, dell’edizione di un giornale, vedi L’Ultima Minaccia, del ritorno di tre marinai in licenza, vedi Un Giorno a New York, di una partenza che si tratta di ritardare o di annullare, vedi Incontriamoci a St. Louis. La “Deadline” può esistere nonostante la sua scarsa visibilità: si consideri ad esempio il momento del ritorno al presente nel caso di un film raccontato sottoforma di flashback. La Nacache ricorda ancora che altri tipi di cinema (e soprattutto il cinema moderno) sempre secondo Bordwell, sono caratterizzati proprio dal rifiuto di imporre un limite alla durata della storia: si veda il trattamento del tempo in Ejzenštein, Ozu, Tati, Fellini, Bergman, Antonioni. La Nacache, dal canto suo, aggiungerebbe i film americani di Murnau, Sternberg, Stroheim…e più tardi i film americani di Lang. “Generalmente” essa precisa “i cineasti europei di Hollywood rivelano spesso la loro originalità nel modo in cui trattano il tempo del racconto”. Infine, conclude l’autrice francese, “nei film di suspense il procedimento della deadline è accentuato sotto tutte le forme: è volentieri ripetuto in diverse sequenze che instaurano deadlines secondarie; i termini di tempo sono più brevi, il tempo viene suggerito nel suo ineluttabile scorrere “il dettaglio del quadrante di un orologio o di un pendolo è di per sé una micro-figura della suspense.”

Mi auguro che queste righe consentano di individuare meglio il sapore, al tempo stesso complesso e perentorio, implicito nel titolo originale in cui alla parola “deadline” si salda la parola “U.S.A.”, così da far capire che il termine ultimo riguarda non solo i personaggi ma addirittura gli interi Stati Uniti, giusto per ricordare che il problema della stampa quotidiana (ed eventualmente della sua crisi) non è un problema singolo, o solamente di questo o quel quotidiano, ma di tutta la stampa americana in generale.

Forse questa precisazione è eccessivamente pignola. Ma, ovviamente, nello scriverla sono stato mosso da una preoccupazione di chiarezza che si lega alla stima, e vorrei dire all’affetto, sempre nutrito, fin da giovane, per il film di Richard Brooks.

A DOMANDA RISPONDE: ANCORA TITOLI DI FILM!

In attesa di riuscire a rispondere alla sua domanda sul cinema francese anni 30/60 (ho bisogno di un po’ di tempo per poter lavorare con calma) rispondo qui a Salvatore Biosa per quel che riguarda il film “Appuntamento al KM 424” (Des gens sans importance, 1956) di Henri Verneuil (Achad Malakian) con Jean Gabin e Françoise Arnoul. Pur essendo un vecchio estimatore di Gabin non ho mai visto il film, che però, conoscendo il regista di cui ho già avuto occasione di parlare, riesco quasi ad immaginare. Nel Dizionario di Morandini non viene menzionato, se ne fa cenno invece, abbastanza ampiamente, nel “Mereghetti – Dizionario dei Film”. Il giudizio di Paolo è significativo e sostanzialmente favorevole: "… gli ultimi fuochi del cosiddetto realismo poetico con un Gabin ormai (straordinariamente) invecchiato e un fatalismo che è diventato pura rassegnazione. Non c’è più spazio per la poesia: rimane un realismo cupo e senza sogni, espresso sia dagli attori che dal regista con una raffinatezza dolorosa e trattenuta. Verneuil è in stato di grazia, come non sarà più in seguito (da notare i lunghi piani – sequenza invisibili  ". Per scrupolo ho controllato anche un testo francese, e cioè la “Guide des Films” di Jean Tulard che dice letteralmente “… La qualité française des années cinquante. Un film très démodè où seule Françoise Arnoul tire son épingle du jeu. Mais le film conserve des partisans nostalgique d’un certain style ». Jean Tulard è noto soprattutto per essere il più grande specialista di Napoleone dell’ Università francese, ma ha anche un collaterale  lato cinefilo che lo ha indotto a pubblicare, fra l’altro, un amplissimo dizionario (il cinema, ci sarebbe detto una volta quando usavano le battute in francese, è il suo “violon d’Ingres”). Come può vedere nelle due citazioni che ho riportato il rispetto per il regista (sottovalutato ai tempi della “Nouvelle vague”) è palese, e tutto sommato mi fa piacere.

Veniamo al lettore “L. M.” che mi chiede inaspettatamente di parlargli di “Niagara” (idem, 1953) di Henry Hathaway, interpretato, come noto, da Marilyn Monroe con Joseph Cotten (il marito) e Richard Allan (l’amante). Confesso che il film mi ha sempre lasciato perplesso per la sua mescolanza di tonalità poco armonizzate fra di loro, anche se il meccanismo di fondo potrebbe essere benissimo quello di un “giallo” tradizionale. E questo nonostante io abbia una sorta di affettuoso rispetto per Hathaway. Come ho testimoniato anche nel Blog nella “recensione” di “Chiamate Nord 777”, è uno degli autori che hanno indubbiamente segnato la mia giovinezza. Morto nel 1985 a 87 anni, in più di quarant’anni di carriera è riuscito quasi sempre a muoversi con grande sapienza fra le molte tonalità del dramma avventuroso e del grande poliziesco d’epoca. Mi limiterò a ricordare “La gloriosa avventura”, “ La casa della 92° strada”, “Il bacio della morte”, “Rommel, la volpe del deserto”, “23 passi dal delitto”, “Nevada Smith”, “Il grinta”, fra i tanti titoli di un’ampia filmografia. Qui deve amministrare l’esplosione divistica di Marilyn, in una delle sue poche parti da “cattiva”, e nei limiti della sceneggiatura se la cava col mestiere.

RISPOSTA SINGOLA A SALVATORE BIOSA

Ringrazio il lettore per le gentili parole sulle mie presentazioni. Non so se, come lui dice, “Il diario di un curato di campagna” sia “il film di maggior significato e spessore (…) per identificare i caratteri romanzeschi del cinema francese del dopoguerra”. Non dimentichiamo che dietro il film c’è il romanzo (1936) di Georges Bernanos (1888-1948). Personaggio estremamente complesso e figura essenziale di quella parte della narrativa francese che, dalla prima guerra mondiale all’immediato dopo-guerra della seconda, fu di esplicita vocazione e professione cattolica. Ebbe rapporti ora stretti ora tempestosi con L’”Action Française”, movimento monarchico e conservatore di Charles Maurras, ma dopo la disfatta scelse il campo gollista. Secondo una giusta osservazione contenuta in Wikipedia, nel romanzo “convergono due diverse sensibilità spirituali: quella del curato d’Ars (Jean-Marie Baptiste Vienney) e quella di Santa Teresa del Bambin Gesù” (santificati entrambi da Pio XI nel 1925). Infatti come il curato d’Ars “il giovane prete protagonista del romanzo è divorato da un forte zelo apostolico, totalmente dedito alla santificazione del gregge a lui affidato”, d’altro canto il testo si ispira a Santa Teresa nel seguir la via dell’”infanzia spirituale”. Come si vede pertanto un moto estremamente personale e doloroso di uno scrittore riversato da Bernanos nel film. Al contrario dietro “Un condannato a morte è fuggito” si collocano è vero, da una parte l’idea ascetica del modo di far cinema sempre perseguito da Bresson, ma dall’altra germogliano in modo complesso i coraggiosi sviluppi della lotta clandestina durante la seconda guerra mondiale, ribaditi da mille particolari del film che qui sarebbe troppo lungo analizzare (si veda la figura del drammatico personaggio, eroe della Resistenza gollista, dalle cui memorie il film è tratto). Pertanto con uno spettro molto più ampio di osservazioni e di echi. Per quel che riguarda l’evoluzione (involuzione?) del cinema francese dagli anni ’30 a metà degli anni ’60 mi riservo di studiare meglio l’argomento e di risponderle molto più in la a ragion veduta.

Per l’ultima domanda, riguardante le recensioni in DVD di film francesi mi dispiace dover confessare che io posseggo poco materiale visivo sul mio passato (salvo le video cassette sulla rubrica di TMC “Forte Fortissimo” e quelle riguardanti le numerose trasmissioni su Rai Tre effettuate a fianco di Gloria De Antoni e Oreste De Fornari). Forse Salvatore Biosa potrà trovare qualche cosa di interessante nel materiale “libero” che, indipendentemente da ogni mio intervento e controllo, circola senza sosta in internet, a dimostrazione del fatto che esiste un mondo parallelo al nostro mondo e che non sappiamo mai quale dei due è quello vero.

RICORDO COMMOSSO DI LAURA GRIMALDI, GRANDE INTENDITRICE E GRANDE APPASSIONATA DI GIALLI.

Pochi giorni fa, a 84 anni, è morta Laura Grimaldi. Era nata in provincia di Firenze nel 1928, credo che poi si fosse trasferita a Bergamo e nel 1957 a Milano, dove frequentò la facoltà di Lingue all’Università Bocconi. Proprio come traduttrice dall’inglese e poi come consulente di traduzioni approdò alla Mondadori. In breve si impose come specialista di narrativa gialla, soprattutto “hard boiled”. Dopo Oreste Del Buono (un altro amico che, fra le mille cose di cui si occupava, fu anche un’autorità per quel che riguardava il poliziesco) Laura divenne direttore di Segretissimo – collana di romanzi di spionaggio che ha segnato tutta la mia generazione – e dei Gialli Mondadori. E lo fu anche di un’altra collana, ad egual titolo tipica di un periodo della nostra esistenza. Infatti, dal 1988 al 2004, diresse Urania, grazie a cui i romanzi di fantascienza irruppero clamorosamente nelle inquietudini librarie e culturali di diverse generazioni: inaugurò la collana “Le sabbie di Marte” di Arthur C. Clarke, uscito il 10 ottobre del 1952. Il primo dei molti curatori che si sono succeduti nel corso degli anni, e che  credo sia stato anche l’inventore della parola italiana per tradurre "scienze-fiction", fu Giorgio Monicelli. Fratello di Mario, fu appunto, in fatto di fantascienza, un autentico precursore e un’autorità indiscussa. Del resto quasi tutti quelli che impugnarono il timone di Urania furono di alto livello.  Si pensi a Fruttero e Lucentini, coppia smagliante di molti momenti della narrativa italiana, che ebbero in mano la rivista per 25 anni, dal 1961 al 1986.

Come si vede Laura fu al centro di un grande momento dell’editoria italiana, e ove si mosse da par sua. Grande traduttrice, ebbe anche il merito di curare la diffusione di molti grandi scrittori anglosassoni di gialli di ogni colore. Negli anni ’70 e ’80 fu apprezzato critico letterario per riviste e quotidiani, curò numerose antologie e scrisse essa stessa, spesso insieme a Marco Tropea, degli apprezzati libri di genere. Ricordo, fra gli altri “Il sospetto”, “La colpa”, “Il cappio al collo”, “La paura”, il breve “Monsieur Bovary”(senza contare le decine di volumi che sembra abbia scritto, agli inizi di carriera, con pseudonimo americano). Nel 1989 lasciò la Mondadori e creò con Marco Tropea (adesso, e da molti anni, diventato brillantemente editore per proprio conto) la casa editrice “Interno Giallo”, poi assorbita dalla Mondadori. Laura ha fatto dunque mille cose e ha avuto anche il coraggio di scrivere un libro, forzatamente l’ultimo, “Faccia un bel respiro” in cui ha parlato di sé, dell’ospedale, dei medici, degli infermieri, dei parenti a commento della grave malattia che l’aveva colpita.

Io ho conosciuto Laura Grimaldi tanti anni fa – ai tempi di quel festival del giallo iniziato a Cattolica, ripreso a Viareggio e approdato poi a Courmayeur, ove continua da molti anni con il nome di “Noir in Festival” – quando demmo vita, appunto, con Oreste Del Buono, con Irene Bignardi, con Giorgio Gosetti, con  e Lia Volpatti (per lunghi anni alla guida dei Gialli Mondadori)  e tanti altri amici ad un gruppo di appassionati di polizieschi, itineranti di Festival in Festival. Laura aveva un carattere duro, ma con me fu sempre amichevole, gentile e quasi affettuosa. Non la vedevo da anni ma ne avrò sempre un grande ricordo.

A DOMANDA RI-RISPONDE

Nella risposta precedente ho dimenticato di menzionare quel che ha scritto PuroNanoVergine a proposito di una sua amica che lavorava alla Coe & Clerici. Società che io ho menzionato per scrupolo, ricordando che uno dei suoi dirigenti-proprietari aveva “ereditato” da mio padre la carica di Console Onorario del Guatemala. In casi del genere si scrive “il mondo è piccolo”. Ma è proprio vero. In effetti è curioso che tante volte nella nostra esistenza, per banale che sia, si riesca a scendere dal generale dei grandi avvenimenti al particolare delle cose minime di cui è intessuta la nostra vita.

Smetto qui perché rischio di sembrare intelligente.

A DOMANDA RISPONDE

Risposte molteplici a Post di lettori riguardanti brani apparsi nel Blog il 15 il 18 e il 19 Giugno. 

Rispondo prima di tutto ai messaggi ricevuti dopo la pubblicazione di “Le nuove nomine alla Rai ed alcune (lamentose) notazioni personali”. Ringrazio come sempre, Rosellina Mariani, che testimonia, se ve ne fosse bisogno, della profonda fedeltà e dell’orgoglio aziendale (ne so qualcosa io) che anima migliaia di dipendenti e di ex-dipendenti della Rai, malgrado gli errori e le colpe di chi la dirige. “f.” mi dice che da molti anni non ha più un televisore e segue solo Radio Rai. E poi fa una curiosa digressione su Mario Monti, che accusa di pescare i collaboratori nelle Banche, tipo Merryl Linch, ed alla London School of Economics. Mi dice anche che Monti gli ricorda i Fugger. Mi vergogno a dirlo (mi vergogno veramente?No) ma non sapevo neppure chi fossero i Fugger. Ho fatto qualche ricerca e ho scoperto che si tratta di una dinastia di banchieri tedeschi, noti già nel 1300, divenuti finanziariamente potentissimi in Europa, poi nobilitati da diversi sovrani ed ora “proseguiti” da almeno tre famiglie patrizie che ne portano il cognome con aggiunte. Ringrazio il lettore che mi ha costretto a farmi una cultura in argomento, ma non vedo bene il rapporto fra gli onnipotenti Fugger (una sorta di famiglia Rothschild molto più antica e ancor più nobilitata) e l’ottimo professor Monti, la cui “ossessione bancaria”, ammesso che esista veramente, fa pensare più ad un corso specialistico della Bocconi che ad una plurisecolare trama tesa a controllare l’Europa intera… Ringrazio anche Rear Window (il suo immutabile logo raffigura James Stewart con in mano l’obbiettivo fotografico da giornalista, tipico de “La finestra sul cortile”) per le sue osservazioni cinematografiche della Rai. Veniamo ai 6 Post del 18 Giugno in seguito alla pubblicazione di “Qualche considerazione sul cinema hollywoodiano contemporaneo (si veda un elenco di titoli e di registi formulato da Renato Venturelli)”. Carlo Bernasconi si duole perché Billy Wilder e Blake Edwards non avrebbero eredi. Anche se la domanda allarga il senso dell’elenco formulato da Venturelli, mi pare proprio che si debba rispondere di si. Dal canto suo Rear Window mi dice che “The Tree of Life” non gli è piaciuto. Credo che sia un suo pieno diritto. Dal canto suo Rosellina Mariani concorda su molti titoli indicati da Venturelli ed aggiunge “un delizioso film che ha vinto lo scorso Festival del Cinema di Roma”. Si tratta di “Un cuento chino” (letteralmente vuol dire: “Un racconto cinese”). E’ però un film argentino, diretto appunto da Sebastiàn Borensztein (sembra uno di quei cognomi tipici degli ebrei askenaziti immigrati appunto in Argentina negli ultimi due secoli). Il protagonista è Ricardo Darìn, sia popolarissimo nella sua patria. Infine Anonimo, PuroNanoVergine ed un altro Anonimo suggeriscono diversi titoli di film americani (e qualcheduno francese). Non posso e non voglio entrare nei confini dei giudizi di Venturelli. Infine, in seguito all’inserimento nel Blog della “recensione” su “L’Ultima Minaccia” sono arrivati sino ad ora 4 post. Ringrazio per quel che scrivono Rita M. e Rosellina Mariani (fedelissima di “Clandestino in Galleria”). Vengo alle due domande di PuroNanoVergine, il quale fa riferimento ad una mia piccola rubrica mensile tenuta su Film Tv, intitolata “Salvate la Tigre” e intesa appunto a rievocare i “salvataggi” cinematografici da me portati a termine nei miei 24 anni di Rai. Mi chiede di sapere se Claude Sautet mi ha mai parlato di Emmanuelle Béart. Purtroppo no. Anche se mi ha raccontato moltissime cose di sé. Ad esempio che nel 1940 (aveva sedici anni) desideroso di diventare un montatore cinematografico aveva fatto mettere nella carta di identità, come indicazione della professione, la parola “Monteur”. Con il risultato che pochi anni dopo veniva ricercato dai tedeschi, i quali volevano mandarlo a lavorare in Germania, persuasi che si trattasse di un operaio montatore e quindi di uno specializzato. Un’altra cosa divertente che mi raccontò (aveva la fama di essere burbero e aggressivo ma con me fu sempre molto amichevole e quasi affettuoso) fu che, sempre nella famosa estate del 1940, che vide il crollo dell’esercito francese, si trovava ai bagni di mare quando si sparse la notizia che sarebbero sfilate delle truppe inglesi. In effetti passarono su automobili mai viste dei giovani biondi, si erano tolti le giacche delle uniformi, e salutavano cordialmente la folla di bagnanti venuti ad applaudirli. Ci fu poi una certa interruzione nel passaggio, finchè la sfilata di automobili mai viste e di soldati biondi a torso nudo ricominciò. Anche questa volta Sautet e i suoi giovani amici accorsero ad applaudire gli alleati inglesi. Quando la sfilata terminò si accorsero, con terrore retrospettivo, che avevano salutato con entusiasmo le avanguardie tedesche intenti a mettere la Francia in ginocchio. La seconda domanda di PuroNanoVergine riguarda la serie televisiva su Ellery Queen, che, egli dice, viene ora riproposta sul canale del digitale terrestre “Giallo” (credo sia il canale n.38) ma che venne trasmesso in passato alla Rai. Mi spiace disilluderlo ma sono totalmente estraneo all’operazione. Ho controllato il prezioso “Dizionario dei Telefilm” di Leopoldo Damerini e Fabrizio Margaria (edito da Garzanti, l’ultima edizione in mio possesso risale al 2004). I due sono importanti funzionari di Mediaset e per anni hanno organizzato a Milano un festival sui telefilm. Vedo che le date esatte sono le seguenti: la serie più nota ispirata ai racconti gialli di Ellery Queen (ritengo che sia quella a cui si riferisce PuroNanoVergine) è quella prodotta negli USA nel 1975 (26 puntate da 60’ ed una da 75’) con Jim Hutton nella parte di Ellery ed il padre di questi, Richard Queen, interpretato da David Wayne. Naturalmente vi sono state altre edizioni televisive, per le quale attingo evidentemente a Damerini e Margaria. Nel 1950 “The Adventures di Ellery Queen”, nel 1954 con lo stesso titolo e con l’aggiunta “Mistery Is My Business”, nel 1958 “The Further Adventures of Ellery Queen” e nel 1971 “Don’t Look Behind”. Infine Salvatore Biosa mi chiede indicazioni su Robert Bresson e su “Il diario di un curato di campagna” sul quale mi dice di aver visto almeno trenta volte (ma non sono troppe?) la mia presentazione in DVD. Ritengo si tratti di quello che ho registrato, con l’apporto decisivo di Lorenzo Doretti, per conto dei Paolini. Non è facile in poche righe ricordare chi fu Bresson. Il quale, nato il 25 Settembre 1907 e morto il 18 Dicembre 1999, è considerato “uno dei protagonisti della rinascita del cinema francese del secondo dopoguerra”. Molto spesso i suoi film e le vicende che egli ha prediletto testimoniano di un' attenzione per “l’analisi radicale della condizione etica dell’individuo, svolta attraverso un’ interpretazione del cristianesimo di ascendenza giansenistica”. Una tipica caratteristica di Bresson è “la ricerca del rigore formale, perseguita attraverso la riduzione all’essenziale dei mezzi più comuni della scrittura cinematografica (che) tende a definire uno sguardo puro sul mondo capace di trascendere il visibile per rivelare l’intima bellezza delle cose”. Ho attinto qui sfacciatamente, per semplificare la mia risposta, all’ampio testo di Alessio Scarlato contenuto alla voce “Bresson” nella Enciclopedia del Cinema della Treccani. Per riassumere l’opera dello stesso Bresson ricordo che i suoi lungometraggi sono i seguenti: “La conversa di Belfort” (1943); “Perfidia”(1944); appunto “Il diario di un curato di campagna”(1950); “Un condannato a morte è fuggito”(è il film, del 1956. che io preferisco); “Diario di un ladro” (1959); “Processo a Giovanna D’Arco”(1962); “Au hasard Balthazar”(1966); “Mouchette-Tutta la vita in una notte”(1967); “Così bella così dolce”(1969); “Quattro notti di un sognatore”(1971); “Lancillotto e Ginevra”(1974); “Il Diavolo probabilmente” (1977) e “L’argent”(1983). 
Non so se sia sufficiente per Salvatore Biosa. In caso contrario tornerò sull’argomento.

8 - Alcuni film americani che conviene avere visto - L'ultima minaccia

OTTAVA PUNTATA DELLA RUBRICA IN CUI SI "RECENSISCONO" OPERE CINEMATOGRAFICHE DEL PASSATO PROSSIMO
"L'ultima minaccia" (Deadline U.S.A.) di Richard Brooks

Fra i film americani del dopoguerra lo splendido "L'ultima minaccia" di Richard Brooks è una sorta di piccolo monumento al giornalismo ed al cinema "Liberal" degli anni '50. Un Bogart ed una Barrymore da non perdere. I film che hanno per sfondo i giornali e i giornalisti sono numerosi e molti di quelli più noti sono americani. Citerò un elenco apparso in internet: parte dagli anni quaranta per arrivare ai giorni nostri, numerandoli, presumibilmente in ordine di importanza, dall'1 al 20, e io li citerò, invece, in ordine di data. Eccoli: "La signora del venerdì" di Howard Hawks (1940) che è una delle variazioni sul tema di "The Front Page"; "Quarto potere" di Orson Welles (1941); "L'asso nella manica" di Billy Wilder (1951), "L'ultima minaccia" di cui parlo oggi nel Blog; "Piombo rovente" di Alexander MacKendrick (1957), "Sbatti il mostro in prima pagina" Marco Bellocchio (1962); "Prima Pagina" (appunto dalla commedia "The Front page") di Billy Wilder (1974); "Professione reporter" di Michelangelo Antonioni (1975); "Tutti gli uomini del Presidente" di Alan J. Pakula (1976); "Un anno vissuto pericolosamente" di Peter Weir (1982); "Salvador" di Oliver Stone (1986); "Benvenuti a Sarajevo" di Michael Winterbottom (1997); "Sesso e potere-Wag the Dog" di Barry Levinson (1997); "Insider- Dietro la verità" di Michael Mann (1999); "Good Night, and Good Luck" di George Clooney (2005); "Zodiac" di David Fincher (2007); "La giusta distanza" di Carlo Mazzacurati (2007); "Frost-Nixon" di Ron Howard (2008); "Fortapàsc" di Marco Risi (2009); "State of Play" di Kevin Macdonald (2009). In totale sono 20 film, di cui quattro italiani e gli altri sedici nord americani. Come si vede non vi sono film francesi, tedeschi o inglesi e, naturalmente, italiani, anche se tutte le fonti consultabili sembrano essere nord americane e quindi strettamente legate al continente. Spero di aver tempo in futuro di fare una ricerca: ho trovato un'altra fonte di un autore americano, specializzato nella storia del giornalismo, che vale la pena di conoscere meglio. In ogni caso, come si vede, nell'elenco è incluso "L'Ultima minaccia" discutibilmente collocato, nell'ordine di valori contenuto nell' originale, proprio in fondo, al 18° posto. In realtà il film (il titolo originale è "Deadline U.S.A.", "Deadline" significa "termine non prorogabile" oppure "linea insuperabile" e anche "ora di scadenza") è uno splendido ritratto di un quotidiano "progressista", "The Day" dei primi anni'50. E' un quotidiano molto americano, ossessionato dalle notizie e dalle battaglie per la libertà, mentre non sembra siano previsti supplementi letterari o umanistici. Si dice che Brooks abbia inteso ispirarsi alla vicenda del quotidiano "New York World" che Joseph Pulitzer, noto per le battaglie civili e politiche, aveva reso famoso. Howard Good, nel suo libro "Journalism Ethics Goes to the Movies" sembra sostenere che Brooks aveva lavorato per il "World" e che quindi il suo film è una testimonianza del passato. Si dice anche che il figlio di Pulitzer lo avrebbe venduto ad un concorrente, si suppone per molto denaro, un po' come succede nel film di Brooks. Come è noto Joseph Pulitzer (1847/1911 di padre ebreo e di madre cattolica) era un immigrato ungherese divenuto un giornalista principe negli Stati Uniti. A lui si deve l'idea della prima scuola del giornalismo al mondo e, in accordo con le sue volontà, nel 1917 fu istituito il premio che porta il suo nome, ormai celebre ovunque. Il suo fu un giornalismo d'assalto. Puntava molto sul recupero e l'integrazione degli immigrati, forse non era così puro come quello di Garrison nelle parole di Hutcheson, ma fece del New York World il primo quotidiano in tutta la nazione, con una tiratura di 600 mila copie, rispetto alle 15 mila di quando Pulitzer lo aveva acquistato. Per avidità di denaro le figlie del fondatore vendono "The Day" ad un concorrente che intende chiuderlo per eliminare alla radice un rivale. Il ritratto di un giornale d'epoca, dalla struttura della redazione alle vicissitudini e incertezze della professione, è centrato sulla strepitosa figura del direttore impersonato da Humphrey Bogart. Il film è pieno di invenzioni e di riferimenti, come era giusto aspettarsi da uno sceneggiatore e romanziere pieno di talento quale fu Richard Brooks. Vero nome Ruben Sax, nato il 18/05/1912 e morto l'11/03/1992,scrittore di vaglia – fra i suoi libri "The Brick Foxhole", da cui venne tratto "Odio implacabile" di Dmytryck, "The Boiling Point" e "The producer", in italiano "Il produttore", sensibile ritratto indiretto di Mark Hellinger – sceneggiatore e poi regista. Dal film di esordio, "La rivolta" ("Crisis" – 1950) all'ultimo, "La febbre del gioco" ("Fever Pitch" – 1985) passano 35 anni e almeno 24 film. Oltre all' "Ultima minaccia" vorrei ricordare "Il seme della violenza" ("Blackboard Jungle" – 1955), "L'ultima caccia" ("The Last Hunt" – 1956), "Pranzo di nozze" ("The Catered Affair" – idem), "Qualcosa che vale" ("Something of Value" – 1957), "La gatta sul tetto che scotta" ("Cat on a Hot Tin Roof" – 1958), "Il figlio di Giuda" ("Elmer Gantry" - 1960), "La dolce ala della giovinezza" (" Sweet Bird of Youth" – 1961), "I professionisti" ("The Professionals" – 1966), " A sangue freddo" ("In Cold Blood" – 1967), "Il genio della rapina" ("$" – 1971), "Stringi i denti e vai" ("Bite the Bullet" – 1975). Al centro del "L'ultima minaccia" due interpreti straordinari: Humphrey Bogart, cioè Ed Hutcheson il decisivo direttore di "The Day", e Ethel Barrymore, la Signora Margaret Garrison vedova del fondatore del giornale. Bogart ( 1899-1957) era ormai al coronamento di una lunga e decisiva carriera . Dal 1928 al 1956 lavorò in più di 70 film, allineando dalla fine degli anni'30 molte opere di grande successo ed alcuni autentici simboli dell'immaginario cinematografico: da "Il mistero del falco" ("The Maltese Falcon" - 1941) di John Huston a "Casablanca" (idem – 1942) di Michael Curtiz, da "Acque del Sud" ("To Have and to Have Not"- 1944) a "Il grande sonno" ("The Big Sleep"- 1946) entrambi di Howard Hawks, da "Il tesoro della Sierra Madre" ("The Treasure of the Sierra Madre" – 1948) a "L'isola di corallo" ("Key Largo"- 1948) entrambi di John Huston, da "La città è salva" (" The Enforcer" – 1950) firmato da Bretaigne Windust ma diretto in realtà da Raoul Walsh a "La regina d'Africa" ("The African Queen" – 1951) ancora di John Huston, Bogart si impose come un attore decisivo giocando su due pedali non sempre complementari: il fascino divistico e la pienezza dell'esperienza attoriale. Dopo "L'ultima minaccia" sino al suo ultimo film, "Il colosso d'argilla" ("The Harder They Fall" – 1956) di Mark Robson, realizzato a pochi mesi dalla morte, Bogart riuscì ad inserire alcuni altri titoli destinati a diventare notissimi, come "L'ammutinamento del Caine" ("The Caine Mutiny"- 1954) di Edward Dymytrick, "Sabrina" (idem – 1954) di Billy Wilder e "Ore disperate" ("The Desperate Hours" - 1955) di William Wyler. Ethel Barrymore (1879-1959), sua "complice" nel film, sorella di John e Lionel Barrymore (la cosiddetta Famiglia Reale dello spettacolo americano), inizialmente in prevalenza attrice di teatro, dagli anni' 40 si dedicò largamente al cinema lasciandoci alcune decisive interpretazioni ed il ricordo di un livello di recitazione non facile a trovarsi. Guardate con attenzione alcuni suoi duetti con Bogard. Nel "L'ultima minaccia" figurano naturalmente molti altri attori: da Kim Hunter, che è Nora moglie del direttore, a quel grande caratterista che fu Ed Begley (1901- 1970) e che qui è un impagabile capo redattore. Il mafioso Tomas Rienzi ( pudicamente mutato in Rodzic nella versione italiana) è Martin Gabel. Intorno a loro si muove una piccola antologia di caratteristi da Paul Stewart a Joe De Santis, da Jim Backus a Audrey Christie che varrebbe la pena di ricordare meglio e più a fondo. Il doppiaggio italiano è una piccola antologia dei migliori specialisti d'epoca: Emilio Cigoli dà la voce a Bogart, Giovanna Scotto alla Barrymore, Renata Marini a Kim Hunter, Mario Besesti a Begley. Fra le altre voci si trovano Pino Locchi, Stefano Sibaldi, Giorgio Capecchi (Martin Gabel), Gualtiero De Angelis, Laura Gazzolo, Giulio Panicali, Sandro Ruffini, Cesare Polacco. Un vero "parterre de rois". Per scrupolo un' ultima notazione: secondo alcune fonti, non so quanto attendibili, il giovane fattorino del giornale, che si vede all' inizio del film e che scambia poche battute con un redattore e una redattrice, sarebbe addirittura James Dean, rigorosamente "non credited". Non so quanto questa notizia sia credibile e la riporto perché indubbiamente curiosa. P.S. Il DVD che abbiamo utilizzato è a cura di "A&R Entertainment". La produzione, naturalmente, è della "20th Century Fox". L'abbiamo comprato su ebay.it. Il costo: euro 11,39 comprese le spese di spedizione.

SECONDA ED ULTIMA PUNTATA SU URBANO RATTAZZI DI IERI E SU QUELLO DI OGGI

Con considerazioni varie sulla lettura dei giornali, sugli inglesi a Genova ed, occasionalmente, sull'uso dei titoli nobiliari (mi occupo di quello concessi e "vidimati" dall'esponente di una casa reale e non di quelli autoproclamati, che mi danno l'impressione di essere numerosi e spesso non controllabili).

I giornali bisogna leggerli per bene e per intero. Ho pubblicato ieri un sincero (ma forse fallito) elzeviro su Urbano Rattazzi ed i suoi discendenti, attingendo ad una serie di necrologi pubblicati a pagina 68 del Corriere della Sera di Sabato 30/06/2012. Mi sono accorto solo ieri  che sul defunto di cui io non sapevo niente (ovviamente ero stato colpito dal nome e dal cognome, che sono gli stessi di un noto politico piemontese dell’800) era stato pubblicato contestualmente, a pagina 27 un “taglio basso” di una sessantina di righe in cui si spiegava chi era l’avvocato Urbano Rattazzi (quello di oggi) e che cosa aveva fatto nella vita. Ovviamente  veniva ricordato il suo matrimonio con Susanna Agnelli  nel 1945  (aveva conosciuto Gianni Agnelli durante la guerra in Russia) sei figli che ne erano nati, e il divorzio celebrato nel 1975- fondamentalmente sono dati contenuti anche nel mio pezzo- l’ approfondita esperienza professionale come presidente della Ferrania Argentina, la lunga permanenza professionale a Genova ove fu vicepresidente della Coe&Clerici, fondata da un suo nonno, oltre che il suo amore per i cavalli e le corse (da ex fantino). Rattazzi si era anche risposato con Fanny Ferrari Branca e da tempo si era stabilito a Milano. Se fossi un lettore meno distratto mi sarei accorto che proprio sul Secolo XIX di Genova erano stati pubblicati, a cura della prima ricordata Coe&Clerici (ora divenuta CoeClerici e trasferita a Milano) diversi necrologi. Questa ultima notizia implica, in un certo senso, anche un riferimento autobiografico. Mio padre Giuseppe Fava, spedizioniere marittimo e proprietario di un’agenzia di viaggi, negli ultimi anni della sua vita era stato nominato Console Onorario del Guatemala, in un’ epoca in cui, a differenza di oggi, molte nazioni conservavano ancora a Genova un vero e proprio consolato “professionale” (quello degli Stati Uniti, ora trasferito a Milano, quando Genova era ancora una città importante era stato il primo ad essere aperto in Europa).Quando mio padre morì, nel 1951, il consolato venne affidato ad un certo dottor Menada (uno dei membri della sua famiglia era stato, anche egli fondatore della Ditta). Da anni mia madre si occupava della segreteria del Consolato e continuò a farlo, per diverso tempo, alle dipendenze dello stesso Menada. Per cui il nome della Coe&Clerici mi fu per diversi anni assolutamente famigliare. Non è un caso che sia stata fondata a Genova da un inglese e da un italiano, a testimonianza di un momento tipico nella vita della mia città, in cui gli inglesi si trasferivano a Genova per lavoro (si veda il caso del Genova Cricket and Football Club, fondato appunto nel 1893 da un manipolo di inglesi in trasferta). E non è un caso che, acuendosi la crisi della città, si sia trasferita a Milano, unica grande città italiana in grado di resistere, almeno parzialmente, all’appello fondamentale del Romocentrismo. Colgo l’occasione per precisare che in quasi tutti gli annunci l’avvocato Rattazzi veniva preceduto dalla qualifica “Conte”. Dopo qualche ricerca credo di essere riuscito a stabilire che il titolo nobiliare gli venne accordato nel 1928, vale a dire già sotto Vittorio Emanuele III. Non so perché tutti i titoli dell’epoca sono minuziosamente rispettati nei necrologi, mentre vengono a volte trascurati altri risalenti a diversi secoli fa. Forse perché sotto il fascismo, regime di “parvenus”, risultarono ricercati e prelibati. Si pensi al caso di Galeazzo Ciano, il cui padre Costanzo era stato nobilitato solo dopo la prima guerra mondiale: il riferimento al Ministro degli Esteri di Mussolini come “Conte Ciano” (e di sua moglie Edda, figlia di Mussolini, come “Contessa Ciano”) fu quasi obbligatorio. Forse per sostenerlo di fronte al panorama di antiche principesse, spesso romane, che egli usava frequentare al Golf Club di Roma, formalmente capeggiate da Isabelle Colonna, la quale vantava 36 titoli nobiliari e cinque papi nell’albero genealogico.

Non so esattamente quanto di quello che ho scritto oggi e sabato scorso su Rattazzi possa minimamente interessare un lettore del Blog. La puntata di Sabato non ha provocato Post e, presumo, che anche questa di oggi abbia la stessa sorte. Per cui mi par giusto chiudere l’argomento.